Esther Lachmann

late 19th century. Archives Charmet Bibliotheque Nationale, Paris, France (Bridgemanart.com)

La Païva rimane un personaggio misterioso. Non si sa nemmeno quale sia stato il suo volto esattamente, poiché non si fece mai ritrarre. Mancano notizie di molti periodi della sua vita, specialmente sulle origini. Non fu come molte cortigiane che in tarda età si dedicarono a scrivere le loro memorie, anzi, lei stessa mise in giro storie inventate per dissimulare o cancellare informazioni sulla sua età e sulla famiglia. Attraversa gli anni del Secondo Impero senza quella voglia esibizionista da palcoscenico come altre, tenne sempre ben fisso un obiettivo che perseguì fino alla fine: diventare ricca. Cambiò nome, età, religione, cittadinanza e ovviamente mariti più volte, nascondendo sempre la sua vera identità. Così che seguendo i suoi cambiamenti, sembra che abbia vissuto innumerevoli vite. Pragmatica fino al calcolo, fu troppo attenta al denaro per sperperarlo come ogni diva che si rispetti. Tuttavia appare appropiata per il ruolo di femme fatale. Inconsapevolmente e totalmente non curante, lascia dietro di sé una scia di morte: i due mariti e i due figli, la famiglia dimenticata, la sua stessa morte tanto leggendaria quando morbosa.

sources: Virginia Rounding “Grandes Horizontales: The Lives and Legends of Four Nineteenth-Century Courtesans”; Giuseppe Scaraffia “Cortigiane: diciotto donne fatali dell’ottocento”; www.culture.fr for all the black&white pictures of the interiors, probably dated to 1970′s; doportoenaoso.blogspot.it. There’s only one book entirely about La Païva, by Janine Alexandre-Debray “La Paiva, 1819-1884: Ses Amants, Ses Maris” 1986 but I wasn’t able to find it.

thanks to aurorartandsoul.com for her pictures of the Hotel. Visit her blog to see more pictures of the hotel.

Esther Lachmann

L’infanzia è modesta. Nasce nel 1819 da genitori ebrei in Russia, non si sa bene dove. Il suo vero nome era Esther Pauline Lachmann, lo cambierà presto in Therese. Suo padre era probabilmente un commerciante di stoffe e viaggiava tra la Russia e la Germania, lei doveva spesso accompagnarlo. Per gli ebrei emigrati la Russia non era un bel posto, c’erano molte restrizioni e divieti, forse è proprio viaggiando che Therese decide che sarebbe andata via quanto prima. A soli 17 anni si sposa a Mosca con un francese, Antoine Villoing, che di anni ne aveva 26 e da lui ebbe anche un figlio. Forse già aveva puntato Parigi come prossima meta, una città piena di novità e joie de vivre, certo di sicuro non avrebbe accettato il ruolo di moglie e madre che gli eventi le prospettavano. Dopo un anno infatti partì per Parigi, senza né marito né figlio.

Probabilmente iniziò a lavorare in una maison de tolerance, ma non si hanno notizie di questo periodo. Abbastanza sicura da considerare questa nient’altro che una fase di passaggio, prepara astutamente una mossa per svoltare velocemente. Va infatti ad Ems, in Prussia, una delle spa più famose dell’epoca e frequentate dai personaggi più in vista dell’artistocrazia e dell’alta borghesia internazionale. E’ infatti proprio qui che incontra il pianista Henri Herz.

Achille Deveria, Henri Herz, 1832

Madame Blanche Herz

Quella con Herz è la prima relazione ufficiale e stabile. I due si stabiliscono a Parigi, dove Henri diventa professore di pianoforte al conservatorio e gestisce una sala da concerti, la Salle Herz, oltre che una fabbrica di pianoforti. Si spacciavano come sposati, anche se in realtà non potevano in quanto lei era già sposata. Nuova vita, nuovo nome, nuova identità: adesso si faceva chiamare Blanche. Sembrava spuntata dal nulla infatti, senza passato, senza famiglia, lei stessa mise voci in giro di una sua presunta discendenza dal principe Costantin Pavlovich e di un viaggio a Costantinopoli. Tutto ciò aggiungeva un fascino esotico che aumentava il suo potere di seduzione. Ebbe anche una figlia da Herz, Henriette, spedita subito in Svizzera. Morirà all’età di 12 anni.

Henri era spesso in giro per tournée e Blanche lo seguiva, in particolare a Londra passò un lungo periodo. Gestiva con lui anche gli introiti del suo lavoro e si dimostrava molto abile. E’ in questi anni che conosce molti personaggi che diventeranno poi suoi amici come Theophile Gautier. Nel 1846 Henri decide di fare un tour di concerti in America allo scopo di risollevare un po’ le finanze, un tour che sarebbe dovuto durare non più di 6 mesi. Tornò a Parigi dopo 5 anni. Durante la sua assenza affidò la casa a Blanche e gli affari a suo fratello Jacques, ma i due non andavano granché d’accordo. Inoltre Blanche sembrava sempre più interessata a nuove conoscenze maschili, così, quando Jacques scoprì che non era nemmeno la sua vera moglie, non aspettò altro per cacciarla di casa. I due non si rividero mai più.

Auguste Fauchery d’après Achille Devéria, Henri Herz playing piano

Henri Herz piano factory

La marquise de Païva about 1860. Photography Alophe. Courtesy Lumière des Roses

A Londra

Gli anni tra il ’46 e il ’48 furono forse i più difficili. Blanche si ritrovò sola e di nuovo al punto di partenza ovvero senza un alloggio, senza un sostentamento e in cerca di nuovi protettori. La Francia ribolliva e si preparava alla Rivoluzione di Febbraio, non era proprio il luogo adatto per una cortigiana in cerca di successo. Così Blanche fuggì di nuovo e se ne andò a Londra. Riuscì a reimmettersi nei giri e ad apparire nei palchi di Covent Garden grazie ad alcuni vestiti e gioielli che aveva appositamente noleggiato per tentare il tutto e per tutto. Tra gli amanti di questo periodo c’è sicuramente anche Lord Derby, primo ministro inglese. Anche il periodo londinese è poco testimoniato, ma dovette rimettersi in gioco bene se si diceva che avesse sposato un principe russo poi morto di lì a poco lasciandogli una ricca eredità. Tornò a Parigi quando ormai Napoleone III era al potere e con tutti i mezzi per poter alzare ulteriormente la posta in gioco.

Marchesa La Païva

Ricca abbastanza da potersi permettere di affittare un palazzo gotico al 30 place Saint Georges, continuava ancora a ricevere clienti, ovviamente chi e quando voleva e sempre ricchissimi, né pareva interessata a storie sentimentali. Moriva intanto il suo primo marito, Villoing, senza che lei se ne curasse. Aveva messo gli occhi da tempo su un tale Francisco de Païva, di origine portoghese e molto ricco di famiglia che, venuto a Parigi, non faceva altro che perdere alle scommesse e al gioco. Si faceva chiamare Marchese Païva, anche se marchese non era. Se Blanche aveva già messo in conto un piano per sposarlo allo scopo di ereditare il titolo, non si sa. Fatto sta che quando lui finì sul lastrico lei si offerse di aiutarlo economicamente in cambio del matrimonio. Così, nel 1851, Therese divenne Marchesa La Païva, un soprannome che gli rimarrà per sempre. All’inizio mantenne i patti, poi Francisco sembrava non smettere mai di perdere soldi, lei gli intimò di tornarsene in Portogallo, cosa che infatti sarà costretto a fare. Morirà suicida anni più tardi, solo e povero.

Count Guido Henckel von Donnersmarck

Guido von Donnersmarck

Il Conte Guido Henckel von Donnersmarck e Therese si conobbero durante una delle cene che lei spesso organizzava nella sua dimora. Guido, un ricco industriale prussiano nonché cugino di Bismarck, aveva all’epoca 11 anni meno di lei ed era uno dei più ricchi uomini in circolazione. Avere un colpo di fulmine per uno che ha alle spalle un tale patrimonio è davvero facile per una cortigiana, ma questa volta fu lui ad averlo. Guido apprezzò, oltre che la sua bellezza, anche il suo spiccato senso per gli affari e sembrava completamente noncurante del suo passato. Lei ovviamente non poteva desiderare di meglio. La relazione divenne seria e duratura, lui la introdusse negli ambienti dell’alta finanza tedesca, lei se ne dimostrò all’altezza. Certo gli 11 anni di differenza erano evidenti, ma Blanche faceva di tutto per nasconderli mentendo sull’età, truccandosi pesantemente e usando, più in là, anche parrucche.

Adolphe Joseph Thomas Monticelli, Une Soirée Chez La Païva

Hotel La Païva

Grazie al patrimonio di Guido, finalmente Therese potè dare avvio ai lavori della casa che aveva sempre desiderato, quello che diventerà l’hotel La Païva. I lavori durano quasi 10 anni, ma l’hotel doveva rispondere al lusso più esigente. L’architetto Pierre Manguin seguì il progetto, il pittore Paul Baudry dipinse il soffitto del Salone con “Aurora che rincorre la Notte” per cui lei fece da modella, così come per le statue agli angoli del Salone, dello scultore Dalou. L’hotel divenne subito famoso per le cene offerte da La Païva il martedì e la domenica, il cibo era di ottima qualità, presenze fisse erano giornalisti, artisti e aristocratici tra cui Thophile Gautier, amico di Therese sin dagli anni di Herz, ma anche Alphonse de Lamartine, Arséne Houssaye, Léon Gozlan, Paul de Saint-Victor, Emile de Girardin, i fratelli Goncourt e moltissimi altri assidui frequentatori di salotti. L’hotel rappresentava lei stessa e il suo gusto, nonché una deliberata ode alla ricchezza: il bagno aveva 3 rubinetti di cui uno per l’acqua calda, uno per quella fredda e un terzo, si dice, per lo champagne o per essenze profumate. L’incredibile scalinata che portava al piano superiore era scolpita nell’onice giallo algerino, la serra con il balcone da cui si poteva ascoltare la musica del vicino Bar Mabille affacciava su un cortile interno. Ogni stanza era ricoperta di seta ed era decorata con opere appositamente commissionate.

La Païva si presentava sempre sontuasamente vestita, occhi pesantemente cerchiati di nero, piena di gioielli e con scollature profondissime. Non era molto simpatica alle altre donne, che infatti giravano alla larga dal suo salotto, era ammessa solo la moglie di Roger de Beauvoir, Aimée. Era richiesta un’alta dose di eleganza e di capacità di conversazione, non si accettava un clima conviviale come accadeva nel salotto di Apollonié Sabatier. La Païva era diventata molto famosa nel demi-monde, il suo palazzo divenne leggendario e la sua accortezza negli inviti aumentava ancora di più la curiosità, si dice che lo stesso imperatore Napoleone III volle vedere l’hotel. Ma nonostante tutti questi accorgimenti, le dame dell’haute monde continuavano a snobbarla per le sue origini, anche se molti dei suoi invitati partecipavano poi alle serate di Matilde Bonaparte.

Negli stessi anni il Conte Guido decide di acquistare anche lo Chateau de Pontchartrain, a 35 km da Parigi. Una residenza storica: qui infatti aveva vissuto Louise de la Valliere, amante di Luigi XIV. E’ rimasto degli arredi una vasca in onice giallo algerino, opera di Donnadieu.

Hotel La Paiva today (unknown source)

left: Hotel La Paiva probably early 1900; right: Hôtel la Paiva photographed by Eugène Atget in 1901

Chateau de Pontchartrain in 1890′s

Bathtub in yellow algerian onyx by Donnadieu

Hector Lefuel, Neudeck Castle in Silesia, 1869-1876

Ritiro in Slesia

L’enorme profusione di ricchezza e soprattutto il suo legame con von Donnersmarck, prussiano e stretto collaboratore di Bismarck, non dovevano certo metterla in una bella posizione durante il crollo del Secondo Impero e soprattutto durante la guerra franco-prussiana. Se ne andò così in Slesia, dove il Conte Guido aveva un castello di famiglia a Neudeck. Un castello enorme, che La Païva non perse tempo ad arredare secondo il suo gusto. Non era certo Parigi, ma sarebbe stato imprudente tornarci adesso.

Aspettò così la fine dei trattati di pace, ma anche quando tornò, in piena Comune, la sua fama non era migliorata. La Païva era l’incarnazione vivente delle follie dell’età imperiale, del lusso sfacciato, del vivere spensierato, insomma tutto ciò che adesso era totalmente avversato. La guerra, inoltre, aveva inevitabilmente prodotto una visione recriminatoria del periodo precendente. Le cortigiane, su onda di romanzi come Nanà di Zolà o La femme du Claude di Dumas fil, venivano additate a causa di depravazione dei costumi dei francesi con conseguente disfatta della società. La Païva aveva parecchie colpe: non solo era stata una cortigiana, ma era anche straniera, ostentatrice della ricchezza più irrispettosa e intima amica dei prussiani. Fu accusata di essere una spia e il suo salotto di essere un luogo di complotti, senza che poi queste accuse si dimostrarono veritiere o fondate.

Neudeck Castle

Katharina Slepzow, unknown source and date, wearing Eugenia de Montijo’s jewels

Fine

Nel 1871 Guido e La Paiva si sposarono. Lui aveva 41 anni e lei 52, benché non dichiarati. Al conte questo particolare sembrava non interessare, né mai ci furono voci che frequentasse altre donne. Per il matrimonio le regalò una collana in diamanti e perle a 3 fili, originariamente posseduta da Eugenia de Montijo, la moglie di Napoleone III. Sposandosi con Guido, Therese dovette abiurare il cattolicesimo, a cui doveva essersi convertita per sposare Francisco, e convertirsi quindi al lutheranesimo, cambiando così religione per la 4° volta. L’anno successivo, il 1872, il suo ex marito Francisco morì sparandosi. Era ridotto al lastrico, nessuno andò al suo funerale.

Dal 1880 Therese cominciò a stare male. I dottori le consigliarono di abbandonare Parigi, troppo movimentata. Fu così che si trasferì a Neudeck, con grande nostalgia del suo palazzo che non rivide mai più. Morì infatti nell’84, probabilmente di attacco cardiaco. Guido giurò che non si sarebbe mai risposato, ma 3 anni dopo convolò a nozze con una principessina: Katharina Slepzow. Quando entrò nell’Hotel de la Paiva, Katharina disse che era troppo piccolo per lei e non ci avrebbe mai vissuto. A Guido passò l’insana idea di smontarlo pezzo per pezzo e trasferirlo in Germania, ma era chiaramente impossibile. Lo vendette ad un banchiere tedesco. Oggi e dal 1994 è di proprietà del Travellers Club ed è forse, tra le dimore di età secondo-imperiale, la migliore conservata. Nel 1888 il conte decise di vendere anche Pontchartrain. Del castello a Neudeck, invece, non rimase nulla dopo l’incendio che lo distrusse nel 1912.

Guido fu molto accondiscendente con la nuova moglie, gli concesse tutto quello che voleva. Le regalò anche una tiara in diamanti e smeraldi, anch’essa appartenuta all’imperatrice Eugenia. Le vietava però di entrare in una stanza nel castello di Neudeck nella quale lui si chiudeva per ore. Un giorno la mogliettina, pervasa dalla curiosità, decise di entrare di nascosto. La ritrovarono tremante di paura: in una bara di vetro, ondeggiante nell’alcol, Guido conservava il cadavere de La Paiva.

Jewels once belonged to La Paiva and then to Katharina Slepzow, possibly once belonged to Empress Eugénie of France. Tiara featuring emeralds and diamonds sold by Sotheby’s to an anonimous for $12.76 million and two green diamonds of 102,54 and 82,42 karats sold by Sotheby’s in 2005 for 5 million.

others Henckel von Donnersmarck’s jewels

Hotel La Paiva (interiors):

The Salon

on the cealing: Paul Baudry, Aurora chasing the Night

on the corners of the Salon: Muses

Puttos holding the chandeliers, by Jules Dalou

fireplace in red murble by Eugene Delaplanche and two female figures upon it representing Music and Harmony

Living room: fireplace by Eugène Delaplanche and bacchant by Jules Dalou

wooden inlay by Dalou on the ceiling representi Diane lying on a deer

wooden inlays on the doors by Joseph Victor Ranvier

The music hall. On the niche: Venere on the wave by Henri Pierre Picou

inner courtyard facade

Staircase to the first floor made in yellow algerian onyx

Staircase cealing: Pierre Brisset (1810-1890), Rome, Florence, Venice and Naples

upperside of the staircase wall: statues of Dante by Jean-Paul Aube, Petrarca  by Leon Cugnot and Virgilio by Ernest Barrias.

the bathroom

ceiling of the bedroom, now a living room.

La Paiva’s bed (?) source here

All the original furnishing of the hotel had been sold during the years, but some original pieces are now at Musée d’Orsay:

Console du grand salon de l’hôtel de La Païva by Carrier-Belleuse Albert-Ernest and Dalou Aimé-Jules, 1864-1865

Cabinet by Pierre Manguin, 1865

Fork, spoon and knife called “Peau de lion”, 1870′s

Vincent Vidal, Apollonié Sabatier

“…Ces robes folles sont l’emblème

De ton esprit bariolé;

Folle dont je suis affolé,

Je te hais autant que je t’aime!…”

C. Baudelaire, À Celle qui est trop gaie

.

La storia è puntinata di figure minori, quei personaggi che nelle versioni ufficiali vengono saltati o liquidati in poche righe. Esistenze marginali, ma rivelatrici per capire dettagli di fatti più importanti. Apollonié Sabatier, per esempio, ispirò a Baudelaire molte delle sue poesie. Cortigiana di umili origini, seppe presto acquistare un posto d’onore nelle cronache mondane. Dal carattere solare, accogliente e amante della conversazione, lontana dal modello di donna volubile e fatale incarnata da altre cortigiane dell’epoca, non finì tragicamente né dissipò le ricchezze, così da non finire i suoi giorni nei rimpianti. Apollonié fu una delle poche cortigiane a dare vita ad un salotto. Oltre a lei, solo La Paiva c’era riuscita e con grande dispendio di denaro, costruendo un sontuoso palazzo.

I salotti, luoghi di ritrovo in cui si stringevano amicizie e si facevano conoscenze tattiche a margine delle occasioni ufficiali, erano spazi di confine in cui si usciva dalla formalità, ma non si entrava nel tutto nella vita privata. Erano selettivi: le persone ammesse erano ben scelte, spesso con una certa disponibilità economica, tanto da garantire toilette diverse ogni sera. Erano donne nobili a gestirli, famoso quello di Matilde Bonaparte, frequentato anche dalla Contessa di Castiglione. Per questo il salotto di Apollonié appare ancora più eccezionale. La fama di cui godé dimostra come riuscì ad entrare a tutti gli effetti nell’haute-monde, senza troppi intrighi, e solo creando un luogo di incontro lontano dalle vuote formalità che la società imponeva.

Apollonié Sabatier (1822-1889)

Quella che al secolo passò come Apollonié Sabatier in realtà si chiamava Anglaé-Josephine. Un nome comune, così come lo fu la sua infanzia. Figlia di una lavandaia e un militare (o di un visconte come affermò lei più tardi) trascorse i primi anni di vita nella periferia di Parigi, senza avvenimenti degni di nota. Dotata di particolare grazia e di una bellezza tale da farla distinguere dalla mischia, comincia a lavorare come modella per alcuni pittori e si avvicina così al mondo dell’arte. Vive una vita libera, senza legami e un po’ bohemien, e arriva a frequentare le riunioni del Club de Hashishins, fondato nel 1840 da Charles Baudelaire e Théophile Gautier, che si riuniva all’Hotel Pimodan (Hôtel de Lauzun). Probabilmente è proprio qui che conosce Alfred Mosselman, un industriale belga molto ricco, sposato, e più grande di lei di 12 anni. Forse se ne innamora veramente o forse afferra al volo la possibilità di vivere senza lavorare, come era abitudine per tutte le cortigiane, fatto sta che a 24 anni accetta la sua protezione.

Fu forse per segnare l’inizio di questa nuova vita che Anglaé-Josephine decide di cambiare il suo nome in Apollonié, il nome che avrebbe dovuto avere sin da bambina ma che gli fu rifiutato all’anagrafe perché troppo poco cristiano e cambia anche il cognome del padre da Savatier a Sabatier. Mosselman la mantiene e la fa trasferire in un bellissimo appartamento di 7 camere al numero 4 di Rue Frochot, nel quartiere Bréda, noto per essere abitato da artisti e cortigiane. Sarà lui a commissionare ad Auguste Clesinger la famosa statua Femme piqué par un serpent (oggi al Musée d’Orsay) con la quale l’artista raggiungerà la fama. Esposta all’Esposizione d’arte contemporanea del 1847 attirerà molte critiche per la posa inequivocabilmente erotica. Gautier la critica positivamente, ma è uno dei pochi. L’opera fa scalpore non solo per la veridicità dell’espressione (lo scultore infatti aveva utilizzato dei calchi in gesso) ma sopratutto perché tutti sanno che la donna rappresentata è una donna vera e con un’identità ben precisa. Anche se per il volto Clesinger utilizza una modella differente, espose nella stessa Esposizione un ritratto in marmo di Apollonié. L’identificazione, suggerita dalla vicinanza delle due opere, era più che certa.

Auguste Clesinger, Femme piqué par un serpent, 1847

Auguste Clesinger, Madame Sabatier La Présidente, 1847

Gustave Ricard, La dame au petit chien, 1850

La Présidente

Mosselmann, oltre che un industriale, era anche un mecenate, interessato all’arte e alla pittura romantica. Da quando Apollonié si era trasferita a Rue Frochot usava invitare qui i suoi amici pittori, critici, giornalisti così che ben presto l’appuntamento della domenica sera a casa di Apollonié era diventato fisso. Tra gli ospiti più affezionati c’erano Théophile Gautier, Charles Baudelaire, il pittore Eugéne Emmanuel Amaury-Duval, lo scultore Auguste Préault, l’illustratore e drammaturgo Henri Monnier, il giornalista Edmond About e ovviamente il vecchio amico Ernest Meissonnier. Fu lui a proporre dei soprannomi per tutti, per questo Apollonié fu chiamata la Presidente, perché protettrice del salotto. Poche erano le donne, ma non perché non erano ammesse. Tra queste c’erano: Ernesta Ghisi, la cantante moglie di Gautier; Emma Meissonnier, moglie di Ernest; Alice Ozzy, altra cortigiana famosa; Adéle, la sorella di Apollonié e alcune sue amiche.

Le serate da Apollonié divennero famose tra gli intellettuali dell’epoca e ben presto gli ospiti aumentarono. Fu Gautier stesso a presentare molti nuovi ospiti come il pittore Ernest Hébert, il giovane compositore Ernest Reyer, lo scrittore e fotografo Maxime du Camp, Gustave Flaubert, Gustave Ricard, Gérard de Nerval e molti altri. Al contrario di quello che si può pensare, il salotto di Rue Frochot non era un postribolo in cui né Apollonié né altre donne esercitavano. L’atmosfera era confidenziale e amichevole, si cenava, si giocava a charade, a volte si organizzavano anche balli in maschera. Meissonnier dipinse alcuni quadri sulle porte (Il Pulcinella) e alcuni ritratti di Apollonié, che lei stessa espose nel suo salotto. Le serate erano diventate un momento di ritrovo che favorivano le conoscenze e gli scambi, il tutto con la più totale libertà di parola, fino anche al turpiloquio, così amato da Gautier, ma difficilmente ammesso altrove. La Presidentessa era il fulcro del salotto: sebbene tutti sapessero del suo rapporto privilegiato con Mosselman, riscuoteva l’ammirazione di tutti e lei riusciva ad essere amica di tutti senza avere preferenze.  Théo le scriveva più degli altri, la considerava una buona amica, ma non ebbe con lei nessuna relazione. Preferiva il suo salotto a tutti gli altri perché l’unico in cui era permesso parlare senza filtri, fino all’oscenità, che usava anche nelle lettere che le scrisse. C’è da dire che la volgarità non era assolutamente abituale negli altri circoli: quello de La Paiva, per esempio, esigeva un livello di conversazione su argomenti molto impegnati, pena l’estromissione.

Ernest Meissonnier, Portrait de Madame Sabatier

Thomas Couture, Baudelaire et la Président Sabatier, 1850

À Celle qui est trop gaie

La storia con Mosselmann durò per ben 14 anni e nonostante i frequentatori del salotto fossero in gran parte uomini rispettosi dell’amicizia con Mosselman, spesso si lasciavano andare a qualche apprezzamento per la presidentessa. Tra tutti, l’unico che cercò un contatto più profondo con Apollonié fu Charles Baudelaire. I due probabilmente si erano conosciuti già dagli anni ’40 ai tempi del Club de Hashishins e poi lui aveva cominciato a frequentare il suo salotto dal ’51. All’epoca non era che uno scrittore spiantato e senza fama. Cominciò ad inviarle anonimamente una serie di poesie, che poi confluiranno ne Les Fleurs du mal, accompagnati da altrettante lettere in cui le confessava il suo amore. Apollonié non dovette stupirsi molto, già Gautier le aveva dedicato dei versi e già molti suoi amici l’avevano presa a musa per le loro opere pittoriche.

Quando nel ’55 Les Fleurs du mal vengono pubblicati, Baudelaire esce fuori dall’anonimato, ma non ci sono cambiamenti sostanziali nel loro rapporto. Nel ’57 esce l’edizione integrale e di lì a poco verrà accusato di offesa della morale pubblica. Ne invia una copia speciale ad Apollonié con una confessione. Le poesie a lei dedicate e da lei ispirate sono, su stessa ammissione del poeta: A celle qui est trop gaie, Reversibilité, L’Aube Spirituelle, Confession, Le Flambeau Vivant, Hyme, Tout entiere, Harmonie du soir, Le Flacon. A questo punto Apollonié reagisce, sembra intenzionata ad una relazione vera, forse i due ebbero anche un incontro fisico, ma poi Baudelaire indietreggiò. Addusse, come motivi, l’amicizia che lo legava a Mosselman, la paura di essere travolto dalla passione e poi ,le scrisse, “e poi, c’è che qualche giorno fa eravate una divinità, cosa che è tanto comoda, bella e inviolabile. Adesso, ecco, siete una donna.” L’improvvisa possibilità di poter avere l’oggetto amato, idealizzato fino alla perfezione, ne aveva diminuito di conseguenza la bellezza. Così che non appena la Venere bianca fosse scesa sulla terra, sarebbe diventata di colpo una donna come tante. C’è da dire anche che il poeta era da anni legato a Jeanne Duval (la donna che gli trasmise la sifilide) da un rapporto ambiguo e morboso. Apollonié rimase offesa da questo rifiuto, ma non gli negò l’amicizia. Baudelaire cominciò ad apparire sempre meno alle serate di Rue Frochot mentre la sifilide lo stava logorando. Nel 1860 pubblica “Semper Eadem”, sempre ispirato a lei. Quando morirà, nel 1867, Apollonié non era al suo capezzale come si dice, ma sul lago di Como, con un artista italiano.

Gustave Courbet, The Painter’s Studio, 1855

La donna con lo scialle scuro nell’angolo a destra è Apollonié Sabatier. Alle sue spalle Charles Baudelaire mentre legge un libro.

clockwise: Auguste Clésinger; Alfred Mosselman; Richard Wallace; Charles Baudelaire

Ernest Meissonier, Polichinelle, 1880. Oggi alla Wallace Collection, qui la scheda.

Photographie Pierre Petit, Apollonié Sabatier about 1865. Coll. Lumière des Roses

Fine

Sebbene Apollonié era a tutti gli effetti una mantenuta, il suo stile di vita era molto diverso da quello delle altre Grandi Orizzontali. Non le mancava niente, non lavorava e poteva permettersi tutti gli sfizi che la vanità imponeva, dai vestiti ai profumi al teatro all’opera. Con Mosselman ebbe un rapporto sempre paritario, tra i due c’era una vera e propria relazione. Così, quando lui la lasciò nel 1860, un po’ perché le sue finanze scricchiolavano, un po’ perché aveva ormai da tempo un’altra relazione con una diciottenne, all’offerta di una rendita, lei rifiutò. Fiera, non sopportava l’idea di dover dipendere da un uomo che la rifiutava sentimentalmente e sessualmente. Inizialmente le serate continuarono con l’unica differenza dell’assenza di Mosselaman, ma poi si diradarono. Così, per far fronte alle necessità, Apollonié iniziò a lavorare come pittrice e come restauratrice di miniature, 4 dei suoi piccoli quadri saranno esposti anche al Salon del 1861. Ma le cose non sembrano andare meglio e così decise di vendere tutto all’asta: l’appartamento di Rue Frochot e tutto ciò che c’era dentro. Inizia una nuova relazione con un compositore di 22 anni, Elie Miriam e con lui fa un viaggio in Italia, vicino Como. Intanto si era trasferita in un appartamento meno pretenzioso, a Rue de la Faisanderie. Qualcuno la andava ancora a trovare, primo fra tutti Gautier con il quale non aveva mai smesso la corrispondenza, ma per un motivo o per l’altro, gli amici si dispersero. Tra questi riappare Richard Wallace, figlio illegittimo di Richard Seymour-Conway, quarto Marchese di Hertford. Wallace aveva sempre avuto un’ammirazione per lei, sarà lui a comprare all’asta del ’61 il pulcinella di Meissonnier e alcune altre opere della collezione di Apollonié (oggi esposte alla Wallace Collection di Londra). Con lui ha una storia, sebbene Wallace abbia già una relazione con un’altra donna dalla quale aveva avuto un figlio. I due faranno anche un vaggio in Belgio, Olanda e forse Italia, poi lui la lasciò accusandola di infedeltà. Quello che è certo è che Apollonie dopo Mosselman non ebbe più relazioni stabili.

Gli ultimi anni della sua vita sono sereni e tranquilli. Era riuscita a gestire bene i suoi risparmi e viveva dignitosamente dedicandosi alla cucina e al canto. Subì una grave perdita di denaro a causa di alcuni investimenti sbagliati suggeritegli dalla sorella, ma seppe rialzarsi subito. Si trasferisce ancora, solo Gautier ormai la va a trovare e la invita spesso nella sua villa a Neully, dove ancora si riuscono i vecchi amici di una volta. Baudelaire e Mosselman morirono nello stesso anno, il 1867. In vecchiaia, alcuni curiosi le chiedevano di Baudelaire e collezionisti, come il visconte Charles de Spoelberch di Lovenjoul, le chiedevano addirittura autografi. Morì a 67 anni.

sources: Virginia Rounding, “Grandes Horizontales: The Lives and Legends of Four Nineteenth-Century Courtesans”; Giuseppe Scaraffia “Cortigiane: diciotto donne fatali dell’ottocento”.

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“Et le feu s’éteignit sur le mer”

Jacques Fersen

Vorrei essere oggettiva nel raccontare la storia del Barone Fersen, ma così tanto a fondo ha colpito la mia sensibilità che non posso. Al contrario di Villa San Michele, dove tutto riposa esattamente nello stesso punto in cui fu lasciato, Villa Lysis è vuota, svuotata da decenni di abbandono e di noncuranza dei vari proprietari i quali l’hanno vista come un bottino dal quale depredare e prendere, nel loro anonimo e volgare susseguirsi senza lasciar traccia, ne hanno privato gli oggetti, i frammenti, i testimoni. Che cosa resta del Barone Fersen? Il recente restauro, che le dà un aspetto un po’ stucchevole, quasi di bomboniera dal melenso color confetto, fa forse rimpiangere l’abbandono decadente degli anni in cui la villa, dimenticata, era avvolta dalla vegetazione, con un odore di morte intorno.

Jacques Fersen scelse Capri come luogo per rifugiarsi dal mondo. L’aveva vista per la prima volta da ragazzo, quando, come ogni giovane rampollo della sua età, aveva fatto un tour dell’Italia mediterranea. Capri era per lui “l’écho de la douleur du munde” e “l’ile claire, la sieme de soie, l’ame des roses”. Sicuramente un sogno, così lontano e diverso dalla realtà, che detestava e che lo aveva respinto, che decise di viverci per sempre. Oggi resta ancora la sua villa, chissà come, conservata dopo decenni di incuria e dimenticanza. E’ vuota, ma il ricordo resta e la presenza del barone si sente ancora fortissima.

Cocteau disse: “Fersen, al pari di Ludwig di Baviera, appartiene a quel tipo di decadenti o di esteti che, incapaci di creare un capolavoro, vollero fare di se stessi e della propria vita un capolavoro”. In realtà tentò timidamente una carriera letteraria, più per diletto che per altro e un po’ con il mito di Wilde in mente. La poesia era una sorta di ideale di purezza perfetta a cui tendere, che però non bastò a salvarlo dal baratro. La fissazione della villa perfetta, che diventerà la sua tomba, la storia al limite dell’asfissia con Nino Cesarini, la frenesia dei viaggi e poi la dipendenza dall’oppio, raccontano una storia di follia, autodistruzione e ossessione che si concluderà con l’esclusione dal mondo, la solitudine e lo sdegno della società, cosa che continuerà anche dopo la morte. Né mai sono riuscita a capire quale colpe commise per meritarsi una simile damnatio memoriae.

Lo scandalo del 1903

La vita del barone Jacques d’Adelswärd-Fersen non fu felice, anche se lui era ricchissimo e nobile. Tra i suoi antenati infatti vantava Axel von Fersen, amante di Maria Antonietta. Nato nel 1880 a Parigi, dove viveva, poteva contare già a 22 anni su una fortuna vastissima, essendo erede di una famosa acciaieria fondata da suo nonno a Longwy-Briey. Questo lo rendeva un ambitissimo scapolo tra le giovani nobili in età da marito, essendo anche particolarmente di bell’aspetto. E per un certo tempo si fidanzò con una di loro, tale Blanche Maupéou, che però fu più una copertura. Era infatti ben noto ormai che i suoi gusti erano altri. Affittò così un appartamento al numero 18 di Avenue Friedland, solo due porte dopo la residenza della madre, per godere di una maggiore solitudine, oltre che di libertà. Lo scandalo non tardò ad arrivare.

Nel 1903 fu accusato di praticare messe nere, che degeneravano in orge e in cui coinvolgeva ragazzini e altri giovani nobili. L’accusa fu caricata più del dovuto, non senza qualche insopportabile perbenismo, le messe nere erano nulla più che tableaux vivant forse un po’ osè, ma nient’altro. Così il barone fu condannato a sei mesi di prigione, una multa di 50 franchi e perse i diritti civili per cinque anni. Del resto pochi anni prima una vicenda analoga era successa ad Oscar Wilde, non che per questo tali realtà cominciassero ad essere accettate, ma questa volta, il probabile coinvolgimento di qualche giovane di famiglia nobile, dovette favorire l’acquietarsi della vicenda. Ovviamente il fidanzamento andò a rotoli e quando Jacques si presentò alla porta della sua promessa sposa per chiedergli perdono, questa lo cacciò. Provò anche il suicidio, ma fallì. Tentò poi di entrare nell’esercito, ma non fu accettato perché troppo debole. Respinto dalla società e dalle sue regole, rinunciò ad ogni tentativo di piacergli. Stanco di farsi accettare e poiché a Parigi, ormai, non c’era più niente per cui restare, decise di partire.

Il viaggio

Fu forse questo il momento in cui il barone si ricordò di Capri. Gli sembrava, dai ricordi, il luogo adatto in cui riparare, lasciandosi indietro il chiassoso cicaleccio della città. Un rifugio lontano da tutti e l’unico che poteva preservare la sua delicata intimità, messa alla berlina così spudoratamente, soffocandola nel silenzio dell’isola. Ma ancora non conosceva Nino e quando comprò un appezzamento di terreno su una collina alla punta dell’isola, non molto distante da Villa Jovis, non immaginava lontanamente che sarebbe diventato il luogo della jeunesse d’amour. Affidò il progetto ad Edouart Chimot, suo amico, e intanto lui partì per l’Oriente.

Chissà cosa cercava. Visitando Ceylon, scoprì il buddhismo e l’hindusimo, di cui ammirava il senso di annullamento, e l’oppio, un vizio che non lo abbandonerà più. Durante il viaggio continuò la stesura di un romanzetto iniziato qualche anno prima, Lord Lyllian. Messes Noires, una specie di visionario racconto con fatti autobiografici misti a finzioni e in cui si parla anche dello scandalo del 1903, di ricordi d’infanzia e di desideri repressi. Il libello sarà pubblicato nel 1905. Intanto, l’anno prima, era tornato a Capri ma ci restò poco a causa di un altro scandalo. Durante i lavori della villa, uno dei lavoranti, un ragazzo di Capri, morì in un incidente e gli isolani protestarono non poco. Così, per far calmare le acque, il barone se ne andò a Roma per qualche tempo. Era il 1904.

Villa Lysis

Sembra che Jacques Fersen vide per la prima volta Nino Cesarini mentre vendeva giornali su via Vittorio Veneto a Roma. Dovette innamorarsene a prima vista se di lì a poco lo portò con se a Capri. Nino aveva 15 anni, Jacques vide in lui la perfezione, l’idea divenuta realtà, la bellezza pura, la fine delle sue ricerche estenuanti: lo chiamerà “più bello della luce di Roma”. Si trasferirono a Capri, nella villa ormai quasi ultimata, e per lui ne cambia il nome da Gloriette a Villa Lysis, ispirandosi al dialogo platonico Liside. La villa è in stile art nouveau con elementi neoclassici, suggerendo un dialogo con le ricostruzioni ideali di Villa Jovis. Il paesaggio, che teatralmente la circonda e la isola, si offre a strapiombo sul mare e le dà quel tanto di tenebroso e di soavemente delirante. Vi appone su una parete esterna la targa: “L’AN  MCMV / CETTE VILLA FÛT  CONSTRUITE / PAR  JACQUES / CTE  ADELSWARD FERSEN / ET DÈDIÉE / À  LA JEUNESSE  D’AMOUR” e sull’architrave dell’ingresso il motto “AMORI ET DOLORI SACRUM”.E’ preso da un fervore di vitalità, comincia a scrivere altri romanzi (Une Jeunesse e Le Baiser, entrambi editi nel 1907) e fonda nel 1909 anche il giornale Akademos, Revue Mensuelle d’Art Libre et de Critique che dura solo un anno, perché troppo costoso da mantenere. Anche se fortemente incentrato sull’idea di una critica libera, si parlava, in ogni numero, di un argomento omosessuale e sebbene potesse contare su contributi di Colette, Henry Gauthier-Villars, Laurent Tailhade, Marcel Boulestin, Maxim Gorky, Achille Essebac, Anatole France, Jean Moréas e anche di Filippo Tommaso Marinetti, non ebbe molto successo di pubblico. Ma Jacques continua a scrivere e continuerà fino alla fine dei suoi giorni, perché il culto della poesia lo acquieterà sempre.

Nino

Instancabile si reca a Parigi con Nino, forse per acquistare gli ultimi arredi per la Villa e poi con lui parte di nuovo per l’Oriente. Animato e quasi esaltato da questa fase di inaspettata felicità, sente il bisogno di condividere con lui le sue scoperte. Ritornano dalla Cina con una pregiatissima collezione di pipe d’oppio appartenuta ad un imperatore: trecento pezzi di cui alcune in oro, in argento, in avorio, in pietre dure. Andranno tutte ad arredare l’ultima stanza progettata nella sua villa, la camera cinese o Opiarium. Era ormai completamente dipendente dall’oppio e molto probabilmente iniziò anche Nino, che però evitò sempre la dipendenza.

I due adesso vivano in piena serenità a Capri. Qui Jacques lo presentava negli ambienti più formali come suo segretario, ma a tutti era nota la sua devozione. Era impossibile infatti non accorgersene, dopo tutti i ritratti con cui aveva fatto arredare la Villa. Oggi, l’unico ritratto che ci resta, è il dipinto di Paul Hocker, che appare anche nello sfondo in una fotografia di Guglielmo von Plüschow (cugino di Wilhelm von Gloeden e che Fersen conobbe durante il suo viaggio in Sicilia). Da fotografie dell’epoca possiamo avere un’idea della scultura che Francesco Ierace fece di Nino e che fu posta al centro del belvedere esterno. Anche l’illustratore Umberto Brunelleschi fece un ritratto di Nino, adesso perduto, così come la statua. Non rimane che qualche fotografia, come quella di Nino sul terrazzo di Villa Lysis vestito da antico romano e poche altre, forse alcune scattate proprio da von Plüschow.

L’esule

Già leggendo qualche poesia della raccolta Ainsi chantait Marsyas, del 1907, si intravede qualche nota di gelosia o, per lo meno, di paura di abbandono. E’ probabile che Nino si fosse interessato a qualcun’altro, forse anche a delle ragazze, e Jacques non poteva sopportarlo. Del resto anche lui aveva cominciato a frequentare altri ragazzi di Capri, dove la sua posizione si faceva sempre più compromessa. In realtà Fersen non era solo esule dal mondo perché si era ritirato a Capri, ma era esule anche dentro Capri. Non frequentava nessuno e aldilà degli aristocratici o degli intellettuali che andavano a trovarlo nella sua villa, era escluso dal mondo. Non aveva rapporti con i diplomatici del paese, a cui era inviso, e non aveva bella fama tra la gente perché sempre visto come diverso. Solo poche persone erano sincere con lui: Gilbert Clevel spesso trascorreva interi pomeriggi nel suo belvedere, la Marchesa Casati lo raggiungeva nella sua camera cinese quando si trovò a Capri per un periodo, Ephi Lovatelli sua carissima amica e altri artisti a cui era legato per commissionargli piccoli lavori, erano sempre presenti. Poi anche lo conobbero Norman Douglas, Ninì Franchetti, Renata Borgatti, Ada Negri, che ne lascia un ricordo, e non manca nemmeno di apparire nel pettegolo Vestal Fire di Compton Mackenzie. All’uscita del suo ultimo romanzo, Et le feu s’éteignit sur le mer, qualcuno aveva storto il naso, ma la goccia che fece traboccare il vaso fu la pantomima che si mise in mente di fare per il ventesimo compleanno di Nino. Organizzò un grande tableaux vivant replicante, secondo lui, un rito pagano con tanto di sacerdote e di Tiberio nella grotta di Matermània durante la notte. Nino sarebbe assurto, quella notte, a divinità. Tutto nella mente di Jacques e al limite del ridicolo: una cosa così assurda ed eccentrica che poco dopo fu espulso da Capri.

La caduta nel baratro

Se ne tornò a Parigi per un po’. Nino invece, già dal 1915, era stato chiamato alle armi e i due vivono distanti. Le vicende della guerra, così come la lontananza, cambiano inequivocabilmente la loro relazione. Mentre Jacques scriveva altre raccolte di poesie (Paradinya e poi Le Sourire aux yeux fermés) da una villa a Nizza, Nino fu intanto ferito in battaglia e ricoverato all’ospedale di Milano. Quando si ricongiunsero, ormai nel 1912, non c’era più quell’entusiasmo di prima. Nino ormai era adulto, più consapevole, più maturo. Jacques stava male, soffriva la solitudine, si sentiva sradicato dalla sua Capri e la dipendenza d’oppio, a cui ormai inframmezzava anche la cocaina, lo stava logorando. Il permesso di tornare a Capri giunse nel 1913.

Sono anni di confusione, di perdizione. Gli viene diagnosticata una dipendenza grave da oppio e viene mandato a Napoli per disintossicarsi, inutilmente. L’idillio amoroso sembra scomparso: Nino, dopo l’esperienza della guerra, guarda le cose con più distacco e si accorge di alcune debolezze dell’amico il quale, invece, capricciosamente non perde occasione di sedurre nuovi giovani. L’ultima sua conquista è Corrado Annicelli, chiamato Manfred (1905-1984), che vede mentre era in vacanza con la famiglia all’Hotel Quisisana. Si ripete la stessa storia di Nino: chiede il permesso alla famiglia e comincia a invitarlo nella sua villa, lo porta con se nei suoi viaggi in Sicilia, a Sorrento. Nino è sempre presente, guarda quello che accade con amorevole distacco. In qualche modo lo sorveglia nella sua caduta nel baratro, ma non riuscirà a salvarlo.

La fine

L’ultima raccolta di poesie di Jacques Fersen è Hei Hsiang. Le parfum noir (1921), palesemente ispirata all’oriente e dedicata a quella camera in cui ormai passava quasi intere giornate. La copertina ha dei decori orientali, simili a quelli che si trovano nella camera cinese. Non riuscirà invece a finire il romanzo La Neuvaine du petit faune. Alcuni hanno detto che la morte, Fersen, l’aveva a lungo meditata. Fatto sta che quando la sera del 5 novembre si ritirò, come di consueto, nella camera cinese, non rivide il mattino. Erano presenti anche Nino e Corrado alla sua morte, avvenuta per overdose di cocaina dissolta in un bicchiere, forse accidentalmente o forse no. Le vicende che seguono la sua morte sono squallide. Il sindaco di Capri non gli concesse molti onori, la casa fu subito sigillata e pare che molte cose furono anche derubate e rivendute subito dopo da un antiquario locale. Curò le esequie la sua cara amica principessa Ephi Lovatelli. Corrado tornerà dalla sua famiglia, diventerà in futuro un attore bravino. A Nino il testamento lasciava l’uso della Villa e altri beni, ma la sorella di Jacques, Germaine, iniziò una battaglia legale con Nino per averla e lo accusò dell’ omicidio del fratello allo scopo di arricchirsi. Alla fine Nino gliela cedette per 200,000 lire e le accuse caddero nel dimenticatoio, anche perché infondate. Nino tornerà a Roma, dove riprese la stessa vita che qui vi aveva lasciato, come se niente fosse successo. Per nulla arricchito da questa vicenda, continuerà a vendere giornali fino alla sua morte, avvenuta nel 1943.

Fonti: Sulla vicenda e l’opera di Jacques Fersen calò il silenzio così come la stessa villa fu dimenticata. Il primo a essere interessato alla ricostruzione dei fatti fu Roger Peyrefitte che, dopo una lunga opera di ricerca e ricostruzione, scrisse un romanzo a lui ispirato L’exilé de Capri, pubblicato nel 1959. Soltanto recentemente sono state ripubblicate alcune raccolte delle sue poesie, molte delle quali edite da La Conchiglia, casa editrice che si preoccupa di raccogliere libri su Capri. Degno di nota è il libro di  Fausto Esposito I misteri di villa Lysis. Testamento e morte del barone Jacques Fersen. Online si può leggere qui il saggio di Will H.L. Ogrinc “Frère Jacques A shrine to love and sorrow in inglese; qui un bell’articolo in italiano di Renata Ricci Pisaturo quando visitò la villa ancora in rovina nel 1978, qui alcuni pezzi dell’articolo di Ada Negri e qui la prima edizione de Le baiser de Narcisse pagina per pagina, qui una piccola biografia di Nino Cesarini.

Outside:

sculpture by Francesco Ierace, now lost, in an old picture

old picture of the facade of the Villa dated 1980′s

pictures of Jacques Fersen

First floor:

terrace on the first floor

view from one of the bedroom

one of the bathroom

view from another bedroom

another bathroom

Nino and Jacques with a servant

Glorification of Nino Cesarini

photograph of a young boy (not Nino) by Guglielmo Pluschow. On the wall, to the left, the painting of Nino by P. Hocker

Nino Cesarini by Paul Hocker 1908

other pictures of Nino Cesarini

Ground floor:

the hall, now hosting old pictures

how the hall looked like

the kitchen

terrace on the 1st floor

the column on the left is what remains of the little temple (see picture below)

cover of first number of Akademos, 1909

first edition of Lord Lyllian, 1905

The chinese room or Opium room:

this is the place where Jacques Fersen died

The name of this elegant lady, watching absent-minded while seated in bar table, is Evelina Schapira Levi Broglio and she died few years ago, in 2007. I came to know her story because I was looking for informations about Casetta Rossa in Venice, a little red house facing Canal Grande in Dorsoduro quarter, where Gabriele d’Annunzio lived during his stay in Venice and where she lived until her death.

Gabriele

The Casetta Rossa  is just in front of Ca’ Dario and also very near to Palazzo Venier de’ Leoni (now Peggy Guggenheim museum) owned by the Marchesa Casati in the same years D’Annunzio lived in Venice and who used to hold magnificent parties here with people like Leon Bakst, Isadora Duncan, Diaghilev, Paul Poiret, De Meyer and D’Annunzio himself. It was during the first world war that D’Annunzio chose to live in Venice. Mariano Fortuny suggested him this house, owned by Prince Fritz Hohenlohe, and he liked it so much that decided to rent it from october1915 to november 1918. Before him, this same house hosted also Antonio Canova, Henri de Régnier (who also lived in Ca’ Dario) and Rainer Maria Rilke. The Casetta Rossa turned to be the base where most of his war actions were planned like La beffa di Buccari (The Bakar mockery) and Il volo su Vienna (Flight over Vienna), both in 1918. But these years in Venice will be very significant in his life also for the sad accident happened during a flight over Trieste, in 1916, when he went blind in the right eye and his friend and fellow soldier, Giuseppe Miraglia, died. Forced to spend a period of complete immobility and darkness, in order to prevent the loss of left eye sight, he wrote “Notturno”, an unusual book made of fragments he wrote on short scrolls in complete blindness.

Evelina

After d’Annunzio leaving, informations about owners of Casetta Rossa are missing. Then appears Evelina Levi Broglio. It was her father to purchase the house in the middle of the 60′s and then gifted to her. Evelina was a Milanese lady an international socialite during ’60 and 70′s, very popular in the international jet set of that period. Among her closest friends were people belonging to European aristocracy, like the Dukes of Kent, but also artists and writers like Julian Fellowes, Gian Carlo Menotti, Peggy Guggenheim and Beppe Modenese, who said about her: “She was a true icon. It’s rare that aesthetic sophistication, glamour, and beauty correspond to this kind of elegant lifestyle.” She always attended the most important events in Paris, London and New York, wearing creations by some of the most renowned coutourier of the last century like Karl Lagerfeld, Gianni Versace, Odicini, Lacroix, Curiel, Valentino, Ferrè, Lagerfeld and Saint Laurent. She was, infact, known for her elegance and sense of style and used to collect all her clothes, from accessories and bags to luggage and shoes, along with creations made for her by friends designers.

The saddest epilogue

After the sudden death of  Evelina’s son for a tragic accident, she found herself alone to face a terrible ill that will lead her to death in 2007, at the age of 75. Her only descendants, two daughters in law, have decided to sell by auction all the belonging: last May (from May 11-13) fifteen thousand pieces from her couture and pret-à-porter collections have been sold in three different auctions held by the Ponte Auction House of Milan (here you can still see the catalogue of the jewelry collection on sale by the Auction House). A lot of pieces have been bought underprice. The orrible and sad epilogue is not end as about one month ago comes out the news that, the same descendants, didn’t wait any longer to sell the entire house: the Casetta Rossa. Evelina loved that house, she left it almost untouched after d’Annunzio so it still houses a lot of d’Annunzio personal belongings like his bed, the painting collection, the desk where he used to write, his silver flatware, the eighteenth-century spinet he loved to play, the sofa and others things. The cost of the entire house starts from 15 millions of euros, but to make things faster, it can be also sold divided in different lots as well as the furnishings.

Everything will be dispersed and memories deleted. I truly hope somone to stop this filthy and silly hovoc.

sources: milano.corriere.it; repubblica.it; vogue.it; 5fittingrooms

Evelina inside the Casetta Rossa

E. Levi Broglio, Elton John and Gianni Versace

Casetta Rossa today as can be seen from Museum Peggy Guggenheim

D’Annunzio in the Casetta Rossa (in the backround you can recognize Ca’Dario)

old picture of the Casetta Rossa

Evelina’s clothing collection:

Manolo Blahnik’s shoes

Yves Saint Laurent long evening dress and Christian Dior bustier dress

Calf leather zebra Blouson and Atelier Versace jacket (and trouser)

Odicini long evening dress and Roberto Capucci long evening dress

Curiel night-gown long dress and Gianfranco Ferrè cocktail dress

Star pin in golden metal and Yves Saint Laurent stiff bracelet

“…la casa dei Dario

inclinata come una cortigiana decrepita

sotto la pompa dei suoi monili…”

G. D’Annunzio

Ca’ Dario is a private palace in Venice, located in the Dorsoduro quarter, facing Canal Grande.

Even if what at first may catches one’s attention is the magnificent facade, decorated with circular polychrome marbles inlays, or at least its being slightly leaning, the palace hides secrets of what seems to be an obscure curse.

The bright facade…

Ca’ Dario was bought by Giovanni Dario, who assigned the task of remodeling the palace to the architect Pietro Lombardo at the end of 15th century. Actually the date of the work on Ca’ Dario is unsure, except that it must to have been done between Dario’s return from Constantinoplein, in 1486, and his death in 1494. Giovanni Dario was, infact, diplomat, merchant and Secretary to the Venetian Senate for which he functioned as ambassador in Cairo, to the court of the Mamluk Sultan Qw’it Bay, and in Byzantium. Very likely the oriental influence can be explained by Dario’s travels in Egypt and Middle East, but we can’t exclude the influence of cosmatesque works (easy to find all over Italy), San Marco similar inlays and other Venetian churches like Santa Maria dei Miracoli. Similar decoration can also be seen in coeval paintings by Carpaccio, Cima da Conegliano and others. On the basement of the palace one can read the latin inscription: VRBIS GENIO IOANNES DARIVS (Giovanni Dario patron of the city).

John Ruskin remained particularly struck to see Ca’ Dario and talked about it in his “The Stones of Venice” (1853) and also did some watercolours of the facade and its details. During 1908 Monet painted Ca’ Dario in a series of paintings representing the same view but in different moments of the day. Gabriele d’Annunzio often mentioned Ca’ Dario in “Notturno” and in the novel “Il fuoco”. In 1977 the palace was also furnished by Giorgio Pes, architect, interior designer and favorite set designer of Luchino Visconti.

… and the dark insides.

But its fascination become more intriguing after knowing the stories of its several owners. Giovanni Dario’s daughter, Marietta, committed suicide after her husband, Vincenzo Barbaro, went out of business and died from stubbing. Their son, Giacomo Barbaro, died in Crete in 1650, falling into an ambush. For a long period informations about owners seems to miss. Then it seems that the palace came into the possession of an “enigmatico” Armenian diamond merchant (Arbit Abdoll) and marchese in the early 1800s, who died there in poverty after his business failed. The house was then bought in 1837 for 480 pounds sterling (as John Ruskin wrote) by Rawdon Brown, who made the first restorations. His death was supposed to have been suicide at an early age caused (again) by financial ruin. He spent so much on restoration he was forced to sell Ca’ Dario in 1842: the buyer was a Hungarian count. Between 1800 and 1900 came to Ca’ Dario the french poet Henry De Regnier, who wrote here “L’altana ou la vie vénitienne”. He died after few years for serious ill.

In 1964 the tenor Mario del Monaco started the negotiation to buy the palace but, while he was coming to Venice to end the deal, he had a road accident and then gave up. Then was the time of the american multimillionaire Charles Briggs, who was later banned from Italy because his homosexual affairs. His partner, Osvaldo de Carrera, commited suicide few months later in Mexico. During the night of the 19th of July 1970 the palace saw an homicide: the last owner, Conte Filippo Giordano delle Lanze, was murdered by a Croatian sailor, Raoul Blasica, his lover. Kit Lambert, producer and manager of The Who, owned the Palazzo in the early 1970s. He died few time later in London, falling from a staircase or killed by his drug dealer.  In the middle of the 80′s was a Venetian financier to buy Ca’ Dario: Fabrizio Ferrari. His idea was to turn the Palace into a meeting hall, but in a few time he ruined and his sister, Nicoletta, died in road accident. At the end of the 80′s financier Raul Gardini bought the Palazzo to give it to her daughter, but after going through a series of financial problems and after being involved in Tangentopoli-gate, he killed himself in 1993. At the end of the 90′s also Woody Allen was interested in buying Ca’ Dario, but then gave up.

In the winter of 2005 it was announced that an agreement had been reached between the Guggenheim Foundation and the present owner, Elisabetta Gardini Ferruzzi, who has had the palazzo up for sale for some time. The Guggenheim will not actually buy the palazzo but will instead a franchise on it at very favourable terms. In return, the name of the Gardini family will be associated with any shows that are held in the new location.

sources: nauplion.net; corrieredellasera.it; wikipedia.org

left: Cima da Conegliano, The healing of  Anianus, second half of XV cent.

right: Vittore Carpaccio, Annunciation, 1504

old pictures of Ca’ Dario from early 1900

Monet, Palazzo Dario, Venice, 1908

John Ruskin’s watercolour of Ca’ Dario

Interiors:

The following pictures, as well as the most part of informations about Ca’ Dario, come from this site. The black and white photographs are views of Ca’ Dario taken with a pinhole camera by Gunter Derleth from “Venice. Camera Obscura” (2000). The pictures of the interiors are from Vittorio Sgarbi “Ca’ Dario. Mito e storia di Giovanni Dario e del suo palazzo tra Oriente e Venezia” (1984) which is, still today, the only book about Ca’ Dario, edited by the great publisher and versatile figure Franco Maria Ricci.

Portrait of Mananà Pignatelli by talented illustrator and friend Vanna Vinci

I’ve found really very few informations about Anna Maria dei principi d’Aragona Pignatelli di Terranova di Cortes, also known as Mananà (1894-1960). Just only one picture of her reveals me her face and it was intriguing enough to keep me searching for more. She was very popular in the internation jet set during 1920′s in Italy and especially Roman ambient.

A dark Princess

According to Dario Cecchi, who wrote the book “Coré. Vita e dannazione della Marchesa Casati” : “Mananà always dressed in back, has really short hair and used to wear brimless cloche black hats. Even her apartment curtains were black, her sheets and probably also her underwear”. Dario Cecchi talks about Mananà because she was often mistook for Marchesa Casati because of her black make-up and paleness. As he could remember, she was a sculptress of huge giants, that could be seen through the windows of her apartment in Rome, near Villa Borghese, the same apartment where he lived with his family.

The reason of her black dressing and make up, according to Indro Montanelli who was a friend of her, seems to be due to the success she met when, once in a masket ball in Paris, she dressed up like a pierrette. Everybody appreciated her costume so much that she decided she wanted to be dressed like a pierrette everyday. His husband, Marquis Guido Sommi Picenardi, seemed to appreciate it too. Montanelli says that one day he was invited by Mananà and his husband to spend some days in their Villa Torre de’ Picenardi near Cremona and he found a bed with black sheets and black mattress. Someone said that Mananà used to sleep in a coffin surrounded by tapers and incense.

The Marriage

Mananà and Guido married in 1917 in the chapel of their Villa in via Piemonte in Rome. The marriage was also reported on “Le Figarò”.  In the same year Mananà was portrayed more than once by painter Adriana Bisi Fabbri, a relative of Boccioni, who died the next year. The couple was very famous in that period in Rome, they attended all the best parties and were friends of artists like Gabriele D’Annunzio, Tamara de Lempicka and all the personalities around the Ballets Russes, for which Guido wrote numerous ballets and pantomimes. The Marquis Guido was an eclectic noble man who dabbled in music, writing and theatre and was a close friend and maybe lover of Tamara de Lempicka, who painted some portrait of him. It was Mananà to introduce Gabriele d’Annanzio to Tamara de Lempicka in 1926.

Lempicka described the couple in the following terms: “Mananà and Guido Sommi Picenardi, whose bohemian ways would now be labelled as somewhat “hippy”, spearheaded a young and brilliant circle of friends kept busy every night by parties, operas, ballets, music and dinners in private palaces with uniformed staffs. On these occasions, the women were beautifully dressed and covered with jewelry; the men were all very handsome and elegant. The conversations were most cultivated and witty.”

Lempicka’s portrait of Guido shows his elegance and composure and, even if a little cold, a real dandy. It seems he was interested in occultism, transvestism and famous were his several love affairs. It also seems that Mananà started to drift apart from him for his eccetricities. Guido went back to Torre de’ Picenardi where he died in 1949 in unclear circumstances.

The Sculptress

After Guido’s death, Mananà started a relationship with Guidone Parisini, an ex cavalry officer who was able to talk only about equestrian shows and competition. Totally the opposite of Guido. They moved to Capri and then to Venice, where she could vent her artistic side starting to sculpt. She lived and worked only by night, as Montanelli says, and her favorite subjects were big muscolar men.  It seems that Federico Zeri, famous italian art historian, wrote a critical essay about Mananà’ s art, but I couldn’t find anything.

Rumors says that Mananà died in Venice, where she lived in Palazzo Mocenigo, drowned in the Canal Grande. I don’t know if this is true. Indro Montanelli is quite annoyed talking about Mananà, he hated D’Annunzio and D’annunzio-alike-people and believes that Mananà was nothing more than a mask. I wonder where her works are now and why seems impossible to find anything about this strange and flamboyant figure. Today the only person still interested in Mananà, that I was able to find, seems to be GiovanBattista Brambilla who wrote about Pignatelli family.

If anyone can give me more informations about Mananà please contact me.

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FONTI/SOURCES

Indro Montanelli

Il giornalista risponde ad un lettore (proprio GiovanBattista Brambilla) nella sua rubrica La Stanza, il 25 giugno del 1997. Articolo intero qui.

“…Manana’ Pignatelli Aragona Cortes non interessa che lei e una dozzina di altre persone. Esso appartiene infatti a un mondo che, sebbene sia soltanto quello dei nostri padri (che per lei, immagino, sono nonni), sembra lontano alcuni secoli dal nostro: il mondo dannunziano, fatto soltanto di esclamativi e di “patacche”. All’autore di “Alcyone” e del “Poema paradisiaco” (il resto, romanzi, teatro, ecc., non si perde molto, secondo me, a dimenticarlo) si possono perdonare molte cose. Al dannunzianesimo, nulla: fu il trionfo del fasullo (e dio sa se in Italia ce n’era bisogno), una peste, una lebbra. Manana’ fu una delle sue vittime. E lo dico con dispiacere perche’ fu mia amica, le volli bene e mi volle bene. Erede in linea diretta non solo dei principi Pignatelli, ma anche del grande conquistador del Messico, essa apparteneva al dorato jet – set cosmopolita degli inizi del secolo, quando le capito’ di partecipare a una grande festa mascherata a Parigi, punto di raccolta di quella societa’. Vi si presento’ truccata da Pierrette con la zazzerina a gronda sulla fronte e il volto interamente coperto da una patina di biacca. Ebbe un tale successo che non volle piu’ abbandonare questa cosmesi, nemmeno quando gli anni cominciarono a farlesi sentire. Io, che pure per un certo periodo l’ho molto frequentata, non l’ho mai vista che con la zazzerina incanutita sul volto di gesso, a tutte le ore del giorno e anche della notte, perche’ solo di notte lei viveva. Cosi’ d’altronde la voleva anche suo marito, Guido Sommi Picenardi, altro dannunziano doc, ricco di talenti (letteratura, teatro, musica) coltivati da raffinato dilettante, e per questo incompiuti. Una volta che m’invitarono a un soggiorno nella loro famosa Torre, mi misero a dormire in un letto foderato di lenzuola di seta nera che sembrava una bara. Superstizioso come sono, buttai via le lenzuola, ma anche il materasso era nero, come lo era tutto il decor di quella casa che sembrava uscita dalla fantasia di un impresario di pompe funebri. Dopo la morte del marito, Manana’ si scelse per compagno la sua antitesi umana: Guidone Parisini era un ex ufficiale di cavalleria che s’intendeva e parlava solo di stalle e di concorsi ippici. Si ritirarono prima a Capri, poi a Venezia, dove lei, sempre addobbata da Pierrette, dette sfogo alla sua passione, la scultura. Minuta e delicata com’era, non raffigurava che omaccioni erculei, di cui non saprei che valore artistico avessero. Viveva e lavorava, come sempre, solo di notte in stanze abbuiate da tende scure come quelle di cui era decorato il Vittoriale di D’Annunzio, regno del fasullo mortuario. Ecco tutto quello che posso dirle di Manana’.”

Dario Cecchi

estratto dal libro ”Coré. Vita e dannazione della Marchesa Casati”, L’inchiostroblu editore, 1986.

“Invariabilmente vestita di nero, capelli cortissimi sempre nascosti entro una calottina di feltro nero senza tesa, Mananà aveva alle finestre tendaggi neri, nel letto, lenzuola nere, e nera probabilmente sarà stata anche la sua biancheria personale. Scolpiva dei titani giganteschi, tormentati e libidinosi, che si potevano intravedere attraverso le inferriate delle basse finestre, dall’esterno.”

La marchesa Pignatelli by Adrani Bisi Fabbri, 1917 (Museo del Paesaggio, Verbania)

Portrait of Marquis Sommi by Tamara de Lempicka, 1925

Portrait of Guido Sommi by Tamara de Lempicka, 1925

“If you don’t wear lipstick, I can’t talk to you.”

Isabella Blow

Come spesso accade nella moda, sono quasi sempre le giornaliste o le stylist ad avere uno stile più eccentrico e originale di stilisti e modelle. Sono loro a riconoscere prima di tutti un nuovo talento e concentrano, con il tempo, la loro immagine in particolari caratteristici che le rendono uniche. Anche un po’ ridicole. E’ questo il caso di Isabella Blow.

Questa stravagante signora, non certo bella, che fa del cappello il suo eccesso di eccentricità come ogni inglese che si rispetti, non urla stravaganza barocca come Anna dello Russo e non crea la meravigliosa pantomima kitsch di Anna Piaggi, in questo così teatralmente italiane. L’accento drammatico che spicca da quei cappelli impossibili o, peggio, da quelle sculture a forma di aragosta tra il ridicolo e il kitsch sono certo picchi di una personalità più riservata, ma ugualmente particolare. Lei stessa, in un’intervista con Tamsin Blanchard, disse che indossava questi cappelli per un motivo pratico: “per mantenere le persone lontane da me. Mi chiedono: posso darti un bacio? E io dico no, grazie. Ecco perché indosso cappelli.”

E quel distacco un po’ snob, per timidezza o per ritrosia, lo aveva forse dalla nascita. Nata in Inghilterra (Londra, 1958) figlia di un militare e un avvocato, sua madre, visse la separazione dei suoi quando aveva 14 anni. Aveva due sorelle, suo fratello John, invece, morì all’età di due anni affogando in una piscina.

Iniziò a studiare alla Heathfield School, ma ben presto si trasferì a New York per studiare Arte Cinese alla Columbia University. L’anno successivo, era il 1980, lasciò gli studi per trasferirsi in Texas a lavorare per Guy Laroche e l’anno dopo si sposa con Nicholas Taylor e dal quale divorziererà nel 1983. Sono questi gli anni più attivi e dinamici: frequenta Andy Warhol e Jean-Michel Basquiat e intanto conosce Anna Wintour, che ne fa la sua assistente, fino a quando, non molto tempo dopo, diventò l’assistente di Andre Leon Talley, attualmente redattore capo di Vogue US. Decise quindi che i tempi erano maturi per tornare nell’amata Londra, dove godeva di nuova considerazione, e iniziò a lavorare con Micheal Roberts, allora fashion director delle riviste Tatler e Sunday times Style.

Nel 1989 si risposò con Detmar Blow e per il matrimonio scelse un cappello stravangantissimo disegnato da un certo Philip Treacy. Inizia con lui una collaborazione quasi dipendente, non riesce a fare meno dei suoi cappelli. Lo aiuta fecendolo trasferire nel suo appartamento a Londra, dove lui potè lavorare alla sua prima collezione. Audace, se pensiamo che Philip Treacy non era nessuno ed oggi è il più famoso cappellaio del mondo. Del resto la Blow aveva un occhio attentissimo ai nuovi talenti: riuscì a riconoscere il genio di Alexander McQueen sin dalla sua prima sfilata nel 1992, la collezione che lui fece per il diploma e che lei comprò per 5000 sterline pagandola in rate mensili da 100 £. Fu lei che lanciò le modelle Stella Tennant e Sophie Dahl.

La storia di Isabella Blow colpisce per l’inaspettato finale: suicidio. Nascondeva bene questo bisogno con i simpatici cappellini, ma in realtà la depressione non le dava tregua. La delusione fu grande quando McQueen, ormai un amico, decise di vendere il suo marchio a Gucci e la escluse dalle trattative. Quasi un tradimento. Nel 1994 il padre la disereda per non note ragioni, ma probabilmente la sua più grande tristezza veniva soprattutto dall’impossibilità di avere figli. Così, nel 2004, si separa anche dal secondo marito Detmar Blow e la vita cominciò per lei a diventare sempre più pesante. Si sottopose a sedute di elettroshock per curare, si dice, un disturbo bipolare. Tornò con il marito dopo poco, ma si accorse di avere un cancro alle ovaie. Tentò il suicidio con i sonniferi, poi si buttò dall’ Hammersmith Flyover ma si ruppe solo le caviglie. Il 7 maggio del 2007, dopo molti altri tentativi di togliersi la vita, morirà per avvelenamento da erbicida a Gloucester, in Inghilterra.

Per il suo funerale Philip Treacy fece un cappello-scultura, una fragilissima e funebre scultura di velo leggerissimo. L’11 febbraio del 2010, all’età di 40 anni, Alexander McQueen fu trovato morto impiccato nella sua abitazione londinese. Alcuni dicono che non supererò mai la scomparsa dell’amica Isabella Blow. I vestiti della Blow andarono all’asta nel 2010 e sarebbero andati dispersi se la sua amica Daphne Guinness non li avesse comprati in blocco “per prevenire” disse “che i possedimenti di Issie diventino meri cimeli morbosi… per preservarli.”

” I want -we want- to do what she would want, what we think she would want. I would like this unique collection, marked by her grace and the fact it was so intimately hers, to allow people (whether students, lovers of fashion, historians) to remember her and benefit from her legacy, when we who knew and loved Issie are no longer here. For that, it needs to be kept whole; it is like a diary, a journey of a life, and a living embodiment of the dearest, most exstraordinary friend.” Daphne Guinness

source: guardian.co.uk; wikipedia; decadentoldbitches.blogspot.com

Isabella Blow with Philip Treacy

Isabella Blow with Anna Piaggi

Isabella Blow with Alexander McQueen

Blow and McQueen photographed by David LaChapelle

Isabella Blow with Philip Treacy

Isabella Blow and her friend Daphne Guinness before she turned out to be the gothic goddess and haute couture collector she is today.

Isabella’s funeral:

The Philip Treacy sculpture-hat

The Apartment:

Her Belgravia apartment as it appeared in the March ’09 issue of “World of Interiors”

by the photographer Robert Doisneau, 1952

C’era un luogo, nella Parigi di fine secolo, in cui era possibile passare in pochi minuti dal paradiso all’inferno, attraversando la morte.

Quale fu la febbre che dilagò tra i locali del quartiere Pigalle alla fine del 1800, appare davvero inspiegabile. Le poche fotografie rimaste ci danno una vaga idea di come questi luoghi singolarissimi, a metà tra il grottesco e il meraviglioso, dovevano sembrare all’epoca. Si trattava di locali e caffè arredati tematicamente e per la maggior parte ispirati al medioevo e a Rebelais, come il famoso Chat Noir, che lanciò la moda, o ancora l’Abbaye de Theleme, La fin du Monde, Le voyage à Lilliput, Cabaret Bruyant, Le Rat Mort, Le loup blanc, L’Ane rouge etc. Sulla stessa scia, ma lontani dalla moda medievale, nacquero nello stesso periodo il Cabaret de l’Enfer, il Cabaret du Ciel e il Cabaret du Neant.

Nello stesso quartiere in cui a pochi passi si trovava il Grand Guignol e il Moulin Rouge, la teatralità un po’ sopra le righe era sicuramente nell’aria. La moda dell’occultismo coinvolgeva nobili e borghesi e si potevano vedere, da qualche anno, brevissimi film muti. I corti di Georges Melies stupivano gli spettatori con le immagini in movimento e i primi effetti speciali, ancora un ibrido tra un cartone animato e un teatrino. Allo stesso modo questi locali, decorati in modo un po’ infantile e un po’ kitsch (non ricordano forse le grotte stregate di Disneyland?) offrivano la possibilità di illusione.

Una specie di posto magico in cui gli arredi grotteschi, a volte tenuti insieme nel più picaresco dei modi, e la farsa a metà tra il comico e il tragico, non facevano altro che aumentare il senso di precarietà.

La Belle Epoque, si sa, è belle perché è la fine di un’epoca. Della Bellezza restava solo l’illusione e l’età romantica si avviava verso il suo tramonto: “Bienheureux celui-là qui peut avec amour Saluer son coucher plus glorieux qu’un rêve!”

sources: alamantra.wordpress.com; www.montmartre-secret.com; users.telenet.be; chez-edmea.blogspot.it

L’antre des esprits (The Magician’s Cavern or The Spirits’ Lair), G. Melies, 1901

by the photographer Eugène Atget

Il Cabaret de l’Enfer fu aperto, insieme al Cabaret du Ciel, nel 1896 dallo stesso proprietario, tale Antonin, creatore anche del Cabaret du Neant. I due cabaret, vicini e complementari, erano situati sul Boulevard de Clichy, accanto all’Hotel de Place Blanche e qui vi rimasero almeno fino al 1952, anno in cui Robert Doisneau vi scatta una fotografia. In realtà erano chiusi già da tempo, ma furono distrutti e rimpiazzati completamente negli anni ’50.

L’inferno e il paradiso erano i temi che inspiravano, non solo le decorazioni e l’arredamento, ma anche una vera propria ritualità del locale, tutta fedele alla tematica escatologica. Chi entrava nell’Inferno, attraversando la bocca spalancata del mostro (che mi ricorda ovviamente il mostro di Bomarzo), veniva accolto da un cameriere in rosso che apostrofava i passanti dicendo “Entrez, entrez chers damnés…Avancez belles impures; asseyez-vous, charmantes pêcheresses, vous serez flambées d’un côté comme de l’autre!”

La sala principale aveva l’aspetto di una grotta e le cui pareti, così come la facciata, erano completamente coperte da grotteschi altorilievi raffiguranti mostri e dannati, come in una vera e propria bolgia dantesca. Le finestre erano deformate in modo da sembrare una specie di melma primordiale solidificata, all’interno della quale erano stati sospesi i corpi nudi dei peccatori.

Tutto era studiato nei particolari per rendere la visita all’Inferno il più verosimile possibile: i camerieri erano vestiti da diavoli, fumo e grida si sentivano in sottofondo e mentre si mangiava il programma prevedeva la visione di varie “Attrazioni Diaboliche” come “Il supplizio dei dannati” o “La Caldaia”, una vera e propria pantomima durante la quale si metteva un dannato a cuocere nel calderone.

Dopo la cena gli ospiti erano invitati a spostarsi nell’ “Antre de Satan”, un sala buia in cui veniva allestito un piccolo spettacolo rappresentante i supplizi ispirati ai quadri di Hieronymus Bosch.

un biglietto dell’epoca in cui si illustra il programma

uno dei personaggi dell’Inferno: “Mephisto”

uno dei personaggi del Paradiso: “San Pietro”

Accanto al Cabaret de l’Enfer si trovava il suo doppio ed opposto, il Cabaret Le Ciel, il quale ispirato al paradiso, accoglieva i visitatori in un’atmosfera celestiale.

L’ospite, una volta entrato, si ritrovava in una grande sala in stile gotico, in sottofondo si poteva udire una musica d’organo. A quel punto dei camerieri vestiti da cherubini, con tanto di parrucche bionde, ghirlande di fiori e vesti bianche, invitavano gli ospiti a trasferirsi nella sala del banchetto celeste, offrendo loro la “coupe sacrée” che poteva contenere birra o altri liquori.

Mentre si beveva uno dei camerieri, vestito da reverendo iniziava a recitare un sermone. Seguivano altre pantomime che parodiavano le liturgie come la confessione. Altre scenette come il coro degli angeli o il balletto delle rose prevedevano l’apparizione di particolari personaggi quali Onesimo, il dio Porcus e San Pietro.

Era proprio San Pietro che, alla fine, con le sue chiavi d’oro apriva l’ultima sala, una grotta la cui volta era decorata da stalattiti dorate e dalla quale pendevano angeli sospesi nell’aria: il paradiso.

clockwise: San Pietro con le chiavi, il coro dei cherubini, la danza delle rose e il Dio Porcus, la sala.

Il Cabaret du Neant fu fondato nel 1892 al numero 34 del Boulevard de Clichy, esattamente 4 anni prima dell’apertura dei caffé dell’Inferno e del Cielo e dal loro stesso proprietario, Antonin. Anche in questo caso l’intrattenimento di questo strano bar seguiva un rituale preciso.  Dopo aver pagato un biglietto…

… l’ospite veniva introdotto da strane becchini vestiti di nero e dal viso bianchissimo nella “Sala dell’Intossicazione”, decorata con ossa umane di ogni tipo, teschi, tibie, femori, dipinti e motti dal tema mortuario e tavoli a forma di bara.

dettaglio del candelabro

Qui i camerieri-necrofori invitavano gli ospiti dicendo: “Venite, venite stanchi pellegrini e benvenuti nel regno della Morte! Scegliete la vostra bara e sedetevi! Qui ci sono i microbi della morte, beveteli con rassegnazione!” Il cameriere accendeva una candela funebre davanti al cliente e spiegava la composizione delle bevande dai suggestivi componenti come “succo di larve e tosse tbc”.

Dopo aver bevuto, l’ospite viene invitato a spostarsi nella Grotta dei Morti (Caveau des Trépassés), un corridoio stretto con basse volte gotiche, in cui un monaco suonava l’organo. Qui si svolgeva lo spettacolo principale: un volontario del pubblico, veniva fatto salire sul palco e fatto entrare in una bara. Dopo essere stato avvolto in un lenzuolo bianco, attraverso dei giochi ottici che utilizzavano la riflessione di specchi inclinati, appariva al suo posto uno scheletro. Il Cabaret du Neant era uno dei tanti cabaret in cui si utilizzava l’effetto Pepper’s Ghost per creare suggestive illusioni; questo trucco era molto diffuso nei cabaret di fine secolo ed era usato anche nelle fotografie e in spettacoli teatrali.

In un altra stanza, una sala sempre in stile gotico, si poteva assistere all’apparizione di spettri e fantasmi, sempre creati attraverso giochi di specchi e illusioni.

“It’s very difficult to keep the line between the past and the present.”

Little Edie

Grey Gardens is the name of a run down estate located at 3 West End Road, East Hampton (New York). It’s a big mansion of 28 rooms, just near the Pacific Ocean and owned by Edith Ewing Bouvier “big Edie” Beale and her daughter Edith Bouvier “little Edie” Beale, Jacqueline Kennedy’s aunt and cousin.

The Rise …

The house was bought by the tycoon Phelan Beale, Big Edie’s husband and Little Edie’s father, in 1923. It was an happy time and life was beautiful for the two Edies: in this villa, american aristocracy used to hold elegant parties while Big Edie sang some beautiful songs. Little Edie was having a happy youth, she attented the most exclusive schools in NY and her debut was reported by Ney York Times in 1936. She was very beautiful and wished to become an actress and, despite her father’s will, started to modeling. She also received proposals from some of the richest men of that time, like Paul Getty Jr., Joe Kennedy Jr. and Howard Hughes. From 1947 and 1952 she lived in New York, in a room at Barbizon Hotel. She also had an important affair with a politician (Julius Krugg) who was married, anyway, she never married. Little Edie was beautiful and wealthy, she could have had everything she would, but destiny deserved something different.

… and fall.

In 1931 Big Edie and Phelan divorced: he leaved Grey Gardens while she continued to live there and worked as a singer. She also had other men later, like a pianist and a handyman but, year by year, she couldn’t manage the house anymore and was forced to call back her daughter Little Edie, who left her launching carrier as actress to take care of her mother. The two Edies started to live together and, as years were passing by, the house fell into ruin. Mother and daughter lived in a world of their own until, in 1971, they were under threat of being evicted, due to the bad state of the property. They lived with lots of cats, raccoons and fleas, deprived of running water, and filled with garbage and decay. The house was a damp, big Eddie had a cooker on her bed, animals went to the toilet behind Edie’s portrait, the fridge was in the bedroom and they mainly ate ice cream. In the summer of 1972 Jacqueline Onassis and her sister Lee Radziwill provided the necessary funds to stabilize and repair the dilapidated house.

The film

Albert and David Maysles became interested in their story and received permission to film a documentary about the women, which was released in 1976. They got to spend time with the Edies at the height of their eccentricity. The documentary shows the daily life of the two Edies after the renovation of Grey Gardens.

One thing that strikes the most is the wonderful yet eccentric sense of style, especially of Little Edie, who also suffered of alopecia. Although totally poor and living in in filth and squalor conditions, the two Edies didn’t loose all the whims of high society girls like dressing up, listening to music, dancing. Little Edie, despite being in her mid 50s, is not afraid of showing off her legs. She is always wearing a scarf and usually dresses in tight tops and hot pants or some kind of home made skirt. She also has a wonderful brooch that is mostly pinned to her scarf.

The entire story is imbued by a sad feeling and nostalgia. The two women lived in symbiosis, both cling to their past lives, with each still believing that that life can exist, Edith as a singer, and Edie as a social débutante. Edith lives primarily in her bedroom in her twin bed which is covered with garbage and cats, who use the corner of the room as a bathroom. And Edie constantly dreams of a time when she can return to living in New York City as a débutante and dancer, although one realizes that she is only using her mother as an excuse for what she really considers her comfortable current living situation.

sources: sneakymagpie.com; imdb.com; greygardensnews.blogspot.com; here you can read the story of the house after Edies’ deaths; qui un articolo in italiano.

Little Edie wearing her famous brooch and reading a out-of-date horoscope.

“I only care about three things: the catholic church, swimming and dancing.” Little Edie

“I don’t have any clock. I never know what time it is.” Little Edie

Little Edie furnishing an empty room .

“The moving finger writes and having writ it moves on.” a quote of Omar Khayyám that Little Edie wrote on the wall.

Grey Gardens in the 20′s

Grey Gardens in 1972

Little Edie as a child with her mother

a young and beautiful Little Edie

A. De Meyer photograph, 1919

“I want to be a living work of art”

Luisa Casati

Today, 131 years ago, Marchesa Luisa Casati was born. I tried so many times to write something about La Casati, but it seemed to me always too difficult and the story so long that an entire book wouldn’t be enough. I probably came to know La Marchesa via some photos I found randomly, but the one which caught my attention the most is a photograph of her in Leon Bakst’s “Queen of the night” costume. So I started to search everything about this incredible woman and I discovered the books by S. D. Ryersson and M. O. Yaccarino “The Marchesa Casati. Potraits of a muse” and “Infinite Variety: the life and legend of the Marchesa Casati”. After some time I was lucky to find and read “Coré. Vita e dannazione della Marchesa Casati” by Dario Cecchi, the first book about the Marchesa and, probably, the most beautiful (here my collection of books) .

I came to be a kind of obsessed with this figure. She once wrote to d’Annunzio “words are vain” and, infact, despite some telegram, she never wrote anything and left very few assertions. Reading the books, she appears like a sphinx, silent, concerned only about her appearance, a tragic-comic character who loses everything in the name of Art. Paradoxically she was so worried to leave an immortal image of her through art, that almost nothing survived, except paintings and some photos. All her patrimony has been lost and dispersed, neither a museum about her exists nor an exhibition dedicated to her has ever been curated. Nowdays a lot of people think to be different or eccentric, but they appear colorful at least. Once, Luisa said to an American magazine “To be beautiful one must be unhurried. Personality is needed. There is too much sameness. The world seems to have only a desire for more of this sameness. To be different is to be alone. I do not like what is average. So I am alone.”

The title of the post is a phrase written by d’Annunzio to her that I found in the homonymous book (see sources) and it means “Endless whishes to the Nomad”. Here I tried to tell her story, showing pictures and paintings chronologically. Aware that this is just a few words comparing to her legend, it’s my little gift and homage for her birthday.

I’m also planning to do a post about Marchesa’s residences.

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The idyllic childhood

Luisa was the second daughter of Count Alberto Amman and Lucia Bressi, married in 1879. Her father founded Italy’s most modernized and successful cotton mill in 1875, the Amman-Wepfer cotton factory. Luisa and her sister Francesca spent an idyllic childhood at the Villa Amalia, near Milan. Here the Ammans entertained frequently and extravagantly and Luisa delighted these parties.  Luisa grew up in the midst of affluence, although a bit isolated in the huge Villa. Her mother dressed Parisian gowns by Doucet and Worth, which Luisa often used for play, and used to tell to her daughters stories of uncommon and extravagant personalities like Cristina Trivulzio, Comtesse de Castiglione, Sarah Bernhardt, Empress Elizabeth of Austria, King Ludwing II of Bavaria. During adolescence Luisa’s physical appearance became to be more noticeable: the big green eyes and the intensity of her gaze, her slender figure, her remarkable height became a reason of shyness and insecurity, comparing to her sister Francesca, who had more classical appearance.

The idyllic childhood ended with the sudden death of her mother in 1894. Two years later also her father died. Luisa was only 13 and her sister 14 when they became Italy’s single wealthiest heiresses. Maybe the loss of her parents contributed to her shyness and uneasiness, she also developed a interest in occultism and supernatural, starting collecting obscure objects like tarots and crystal balls. Since her parents death, Luisa and Francesca moved to Milan where they attended parties, concerts, operas and one day she met Camillo Casati.

a little Luisa Amman, photographer unknown 1886

Luisa Amman, photographer unknown 1899

Luisa Casati, photographer unknown 1905

Luisa Casati, photographer unknown 1905

Luisa Casati at a foxhunt, photographer unknown 1903

Coré

The wedding between Camillo Casati Stampa di Soncino and Luisa took place in June 1900, she was 19. In this way she inherited the noble title of Marchesa. The couple spent the honeymoon in Paris, where Luisa joined the Exposition Universelle. Once in Italy, they went to live at the Villa Casati Stampa, an immense house in Cinisello Balsamo. It’s here that she started to experience her sense in decorating. Luisa also had a baby, in 1902, named Cristina in tribute to Cristina Trivulzio. The early life of the couple seemed happy and quite, Luisa and Camillo often enjoyed dinner parties, hunts and ridings and, during one of these, she met Gabriele d’Annunzio.

They started a relationship that will last a lifetime and which caused a transformation in Luisa. She started to wear only black dresses in Venetian lace, enhanced her slimness and height, she cut her hair and dyed in a auburn hue, emphasized her eyes with black kohl ring. Due to the relationship with d’Annunzio, she started to attend parties and events in Rome where she bought a house that she furnished in extravagantly and eccentric way. The affair with d’Annunzio was going on because, according to the Poet, unlike his other women, Luisa “possessed a gift, an omnipotent knowledge of the masculine heart: she knew how to be, or appear, incredible. She was, in fact, the only woman who ever astonish me.” D’Annunzio used to rename his women with mythical names and he called Luisa Kore, which in ancient greek means Persephone, but she changed in Coré. As well as the affair intensified, the lovers often spent some days in Venice. Here, d’Annunzio introduced Luisa to Alberto Martini and Giovanni Boldini. His portrait “The Marchesa Casati with a greyhound” 1908 was displayed in the Paris Salon of the following year. Everybody started to wonder who the fashionable noblewoman was.

La Marchesa Luisa Casati with a greyhound, Giovanni Boldini 1908

Luisa Casati by Alberto Martini, ca. 1906

Luisa Casati as the Empress Theodora, Rome, photographer unknown 1905

The Venetian dream

Luisa had became now more self aware of her figure and comfortable with the company of artists she and d’Annunzio used to hang out with. Now she was completely independent from her husband and, in order to ensure longer stay in Venice, in 1910 she bought the Palazzo Venier dei Leoni, located in the Grand Canal. Luisa assembled a household stuff which included black manservants, trusted gondoliers with white gondolas (while the law required all gondolas to be black). She started to décor the Palazzo, trying to preserve the ruined aspect on the outside while inside she preferred to give a black, white and gold decoration, moving the marble floor from her house in Rome to Venice. Luisa gradually started to enclose herself by a menagerie of animals, she already had cats and dogs, especially greyhounds one black and one white, but later she also loved to be surrounded by exotic animals like parrots, monkeys, cheetahs and even snakes.

During the venetian years she started to built the reputation of La Casati: dressed in black damask, tiger and leopard skins, see-through metallic long dresses, she used to stroll naked in the moonlight of Piazza San Marco, dressed only with a fur cloak and pearls. Tired of the tight creations by Mariano Fortuny, which now were wore by many other noblewomen, she chose Leon Bakst to design her new wardrobe. Bakst was certainly more theatrical, as he was the costume designer of the Ballets Russes, but that’s what Luisa needed: to be theatrical, flamboyant, to be someone people look at. In Venice La Marchesa started to intensify relation with a lot of artists like Leon Bakst, Isadora Duncan, Diaghilev, Paul Poret, De Meyer (who also photographed her in one of the most famous portrait). She became known for her magnificent parties and masquerades, some surviving pictures shows us the Arlecchino Bianco costume, the outfit for a Persian-themed party or the Indo-Persane costume all designed by Bakst. The most monumental party was the Grande Ballo Pietro Longhi inspired by XVIII century and setted in Piazza San Marco.

Portrait from a porcelain miniature,  artist unknown, ca. 1920

left: Un lent réveil après bien des metempsychoses by A. Martini, 1912

right: La Marquise Casati à Venise by A. Martini, ca. 1915

De Meyer photograph, Venice, 1912

De Meyer photograph, Venice, 1912

The Marchesa gifted one of her photographic portrait by De Meyer to d’Annunzio, who penned this instription upon it which means “Flesh is nothing but a spirit betrothed to death”.

Luisa with her cheetah, Venice, photographer unknown ca. 1912

sketch of Luisa by Leon Bakst, 1913

Luisa in Bakst’s Arlecchino Bianco costume at her masquerede, photographer unknown ca. 1913

Luisa wearing Arlecchino Bianco costume by Guiglio de Blaas, 1913

Luisa in her costume for the Grande Ballo Pietro Longhi by G. de Blaas, 1913

Paul-Cèsar Helleu, G. Boldini and L. Casati wearing the Indo-persane costume in the garden of Palazzo de Leoni, photograph by Mariano Fortuny, 1913

L. Casati wearing the Indo-persane costume, photographer unknown, 1913

Luisa with crystall ball wearing a Poiret dress, photographer unknown, ca. 1913

Luisa Casati by Roberto Montenegro, 1914

Luisa in Arlecchino Bianco costume greetings guests by Manuel Orazi, ca. 1913

“I want to be a living work of art”

From 1912-13 Luisa moved frequently between Venice, Rome and Paris where she was called “The Medusa of the Grand Hotels” because her staying in luxury hotels like The Ritz, Hotel du Rhin or the Princess Hotel which she used to furnish with animal skins, mechanical songbirds, feathers and other magical trinkets. D’Annunzio was in Paris too, in order to escape Italian creditors. Determinated to become a living work of art, Luisa promoted artists and let them immortalized her in artworks. In these years Boldini painted her second portrait “La Marchesa Luisa Casati with peacock feathers”. Can be dated to these years the Troubetzkoy sculpture, other Alberto Martini’s portraits, the Gustav Adolf Mossa’s drawing, the Natalia Goncharova’s painting, the Lotte Pritzel wax doll and the friendship with Alaister, who took inspiration from her for a lot of drawings. The Marchesa was able to charm even Futurists, whose aim was to denigrate the former symbolist and decadent art which Luisa embodied so perfectly.

“The Marchesa”, Martini said, “lived partly as a slave to her dreamworld. She was a great artist, but not understood by the common people or even her own friends, who were jealous spectators of her artistic successes.”

By the time she came to know Kees van Dongen, a fauvist painter who portrayed the Marchesa a lot of time and who also had an affair with. Dated back to these years are also the Jacob Epstein sculpture head, the Beltran-Masses portrait with the crystal ball and the two magnificent paintings by Augustus Jhon, whose friendship lasted until her death. During the first World War Luisa continued to roam European borders including Italy, France and also England, Poland, Russia while, in 1914, she divorced legally from Camillo.

La Marchesa Luisa Casati with peacock feathers, G. Boldini, 1914

La Marchesa Casati con gli occhi di mica e il cuore di legno by Giacomo Balla, 1915

drawings of Luisa Casati by Alaister, ca. 1914

first portraits of Luisa by Kees van Dongen, ca. 1920-21

La vasque fleurie by Van Dongen, ca. 1917

The Quai, Venice by Van Dongen, ca. 1921

Luisa Casati by Federico Armando Beltran-Masses, 1920

sculpture of Luisa Casati by Jacob Epstein, 1918

The Marchesa Casati by Augustus John, 1919

The Marchesa Casati by Augustus John 1919

The Wanderer

In 1920, Luisa decided to settle for long period in Capri, an island located in the Bay of Naples and famous for being the shelter of artists and homosexuals. She chose to holyday in Villa San Michele, owned by Dr. Axel Munthe which she obviously furnished according to her tastes. Here she hosted D’Annunzio, Depero, Diaghilev and other members of the Ballets Russes and came to know Baron Jacques d’Adelsward-Fersen, who often invited her for an opium party in Villa Lysis, and Romaine Brooks, painter and former lover of D’Annunzio, who painted a creepy portrait of Luisa.

Tired of the stiffed atmosphere of Capri, she left. The wandering through Europe increased and her style became more bizarre. Paris turned to be her favorite place, here she could walk alonf Rue de La Paix dressed in a Vionnet dress of black velvet, tiger skin top hat and a pirate eye patch. Even if  in the post-war era “eccentricity is the most démodé and unfashionable thing a woman can indulge” like de Meyer said, the undaunted Luisa emphasized her aesthetic trademarks like the eye-ringing kohl, the deep red lips and the white face make up. She became fond of wearing wigs, like the green one or the Medusa one, made with stuffed snakes. Once she costumed as Lady Macbeth, dressed completely in black and with a wax replica of bloodstained hand at her throat. She became a regular guest at the legendary balls given by Comte Etienne de Beaumont and his wife Edith. Due to her permanent stay in Paris she decided to buy a house and chose the former residence of Comte Robert de Montesquiou, her friend until his death in 1921. It was a beautiful palace in pink marble, located in the suburb of Le Vesinet and inspired by the Grand Trianon at Versailles and named the Palais Rose (not to be confused with the Boni de Castellane Palais Rose, also inspired by Grand Trianon).

Luisa Casati by Romaine Brooks, 1920

Luisa in a fountain costume designed by Poiret, 1920′s

Luisa with her snake at a Beaumont ball, Paris, 1920′s

Luisa Casati, photographer unknown, 1920′s

Le Palais du Rêve

Luisa renamed the Palais Rose as Le Palais du Rêve. The ground included a pavilion which was converted into Marchesa’s private gallery and in the garden wes setted the former bathing pool of Madame de Montespan, now a fountain. Her menagerie was reduced to include only a cheetah, some parrots and a boa. Luisa began partying in the new house and continued to appear in the most exclusive parties in Paris like the 1922 Bal Véntien held at the Paris Opera. Leon Bakst once more design her costume, based upon the character  “Queen of the night” from Mozart’s “The Magic Flute” and was realized by the house of Worth for 20000 francs. Another famous Ball was the Bal du Grand Prix in 1924, the costume she was going to wear had to be inspired by the Comtesse de Castiglione. She commissioned the costume to a young and Russian artist, Erté, who designed it an also appeared at the Ball as her attendant. Erté later said “The Marchesa was, in fact, a shy person. Her eccentric behavior was a cover for her shyness. I think this is true of many eccentric people. She was certainly the most extravagantly odd woman I have ever met.”

In these years can be dated the Zuloaga portrait and Man Ray’s photographs, author of the famous four-eyed photo which Luisa loved the most. Her affair with D’Annunzio continued, she often visited him at the Vittoriale, the Poet’s isolated and eccentric house since 1923 and until his death in 1938. Alberto Martini continued to represent the Marchesa in some of her weird costumes like the one resembling Cesare Borgia or the visionary Indian costume after the Marchesa American tour. Infact, Luisa celebrated the 1915 Christmas and New Year’s Eve in New York, but she found America a little disappointing. She also visited Florida, Los Angeles, where she attended a baseball game, and the Grand Canyon, wearing leopard-skin pants, an enormous sombrero and moccasin-shod feet painted purple.

Luisa was now forty and, although she was able to keep her international celebrity status, she couldn’t ignore the warnings of her accountants to curtail her immoderate spending. She was bound to sell all of her family properties like the cotton mill, the Roman and Milan houses and the Venice Palazzo.  It was evident that she couldn’t afford anymore the same spending rhythm. Once in Paris, she decided to have a great masquerade ball in homage to Comnte de Cagliostro, but it ended with a catastrophic storm, lights gone out and guests frightened. Luisa found herself alone.

Luisa dressed in the Queen of the Night costume, photographer unknown, 1922

Leon Bakst drawing for the Queen of the night costume, 1922

Luisa dressed as the Comtesse de Castiglione by A. Martini, 1925

The Portrait by Erté, 1924

Man Ray famous photograph, 1922

Man Ray photograph, 1922

Man Ray photograph, 1922

The Marchesa Casati by Ignazio Zuloaga, 1923

Portrait by A. Martini, 1925

Luisa dressed as Cesare Borgia, photographer unknown, 1925

The end

Despite the warnings, Luisa seemed to be alien to her critical financial situation. In 1931 she celebrated her fiftieth birthday having a debt of 20000 US dollars. Sometimes she paid her small daily purchases with diamond bracelets or emerald brooches until the courts arranged for a public auction of the Palais Rose and its treasures. Luisa continued to live in Paris by renting apartments for short terms or accepting hospitality of old friends. She also accepted to attend some ball, like the De Beaumont’s annual masquerade where once she dressed like the Empress Elizabeth of Austria. But her situation got worse and so she left France and moved to London.

In London she could count upon her daughter Cristina, now Lady Hastings, and her granddaughter Moorea Black, Cristina’s daughter, along with other old friends like Augustus John. During the 40’s Luisa’s address changed about fifteen times. During the II world war she met the American artist Joseph Paget-Fredericks who created a lot of drawings inspired by her. Destitute, she kept to be concern about her appearance just like in the past, supplying dresses from some thrown away monkey fur and feathers from the Chelsea Palace Music Hall and using shoe polish as kohl, “She could create nobility out of poverty” said Cecil Beaton. In London she came to know british photographer Ceacil Beaton, Philippe Jullian, Quentin Crisp and other admirers. Luisa died in 1957, at the age of 76. She was laid out in her favorite black and leopard dress, with one of her stuffed Pekinese at her feet. Her granddaughter Moorea left a epitaph on her tombstone from Shakespeare’s tragedy Anthony and Cleopatra: “Age cannot wither her, nor custom stale her infinite variety.”

Photographs of Luisa by Carl L. T. Reitlinger, 1942

Luisa dresses as Empress Elisabeth of Austria by Man Ray, 1935

La Marchesa Luisa Casati by Joseph Paget-Fredericks, 1940′s

during the english days, Luisa began to create collages. They can be considered as the only artistic creation she ever made.

a candid photograph of Luisa Casati by Cecil Beaton, 1954

Sources: if you want to know more about La Casati, the books by Ryersson and Yaccarino are a must read! These are easily available on amazon and they are: “The Marchesa Casati. Potraits of a muse” it’s only in English and it’s more visual, it shows Marchesa old photographs, artworks and other rare images; “Infinite Variety: the life and legend of the Marchesa Casati” it’s available in English, Italian, French, German and Russian. It’s more analytic with a very detailed story and full of precious anecdotes. If you speak Italian you should also find interesting “Infiniti Auguri alla nomade” curated by Raffaella Castagnola, it’s the correspondence between the Marchesa and D’Annunzio and “Coré. Vita e dannazione della Marchesa Casati” by Dario Cecchi, which is out of print and very difficult to find. These are, until now, all the books that have been written about the Marchesa. There is another important contribution, an article written by Philippe Jullian “Extravagant Casati” for American Vogue, September issue 1970, which I’m still looking for. If anyone know where I can find it, please contact me.

Images sources: tumblr, misspandora.fr, sweetflorencealice.blogspot.com